LONDRES (AP) — Los seguidores del grupo de hip-hop en idioma irlandés Kneecap se congregaron el miércoles en las aceras afuera de un tribunal de Londres mientras un miembro del trío enfrentaba un cargo relacionado con terrorismo en lo que él dice es un esfuerzo con motivaciones políticas para silenciar el apoyo de la banda a los palestinos antes de su aparición en el Festival de Glastonbury .
El rapero Mo Chara, cuyo verdadero nombre es Liam Óg Ó hAnnaidh, fue puesto en libertad bajo fianza incondicional tras la audiencia en el Tribunal de Magistrados de Westminster. Su próxima comparecencia ante el tribunal está programada para el 20 de agosto.
El único cargo contra Chara se deriva de un concierto del 21 de noviembre en el norte de Londres donde ondeó una bandera de Hezbolá de una manera que despertó una "sospecha razonable" de que apoyaba al grupo militante libanés, que está prohibido en Gran Bretaña como organización terrorista, dijo el Servicio de Policía Metropolitana en un comunicado el mes pasado.
El fiscal Michael Bisgrove dijo al tribunal el miércoles que Chara no estaba siendo procesado por su apoyo a los palestinos ni por sus críticas a Israel.
“Tiene todo el derecho a expresar sus opiniones y solidaridad, como cualquier otra persona”, dijo Bisgrove. “La acusación en este caso es completamente distinta y se refiere a una grabación de video que muestra que, en noviembre del año pasado, el Sr. O hAnnaidh portó y exhibió la bandera de Hezbolá, una organización terrorista proscrita, mientras decía: '¡Arriba Hamás, arriba Hezbolá!'”.
Kneecap, que rapea sobre drogas, la vida de la clase trabajadora y la reunificación de Irlanda, ha apoyado la causa palestina durante la guerra de Gaza . La banda ha sido el centro de la controversia en Gran Bretaña desde el año pasado, cuando el gobierno anterior intentó bloquear una subvención artística para la banda, alegando su política antibritánica. Esta decisión fue revocada tras la victoria del Partido Laborista en las elecciones parlamentarias del año pasado y la toma de posesión del primer ministro Keir Starmer.
El trío tiene previsto actuar en Glastonbury el sábado, junto a artistas como Neil Young y Olivia Rodrigo. Este festival de música, con gran repercusión internacional, dura cinco días y atrae cada verano a unas 200.000 personas a una granja a las afueras del pequeño pueblo del oeste de Inglaterra.
Al entrar al juzgado, los tres miembros de Kneecap, oriundos de Irlanda del Norte , hicieron un gesto de aprobación con el pulgar hacia cientos de simpatizantes que se habían reunido afuera, agitando carteles que decían: “Liberen a Mo Chara” y “Defiendan a Kneecap”.
El grupo ha dicho repetidamente que no apoya a Hezbolá ni a Hamás y que no aprueba la violencia.
Antes de la audiencia, la banda colocó vallas publicitarias por todo Londres con el lema «Más negros, más perros, más irlandeses, Mo Chara». El mensaje evoca los carteles que los caseros colocaban en las ventanas de algunas pensiones londinenses en la década de 1950, que decían «No negros, no perros, no irlandeses».
“Los tribunales británicos llevan mucho tiempo acusando a personas de Irlanda del Norte de 'terrorismo' por delitos que nunca cometieron”, declaró Kneecap en un comunicado publicado en redes sociales. “Los combatiremos. Venceremos”.
NUEVA YORK (AP) — Cincuenta años después de que “Tiburón” nos hundiera los dientes, todavía admiramos la marca de la mordedura.
La película de 1975 de Steven Spielberg , su segundo largometraje, dejó tal huella en la cultura y en Hollywood que desde entonces casi ninguna ida al cine, y mucho menos a la playa, ha sido igual.
Pocas películas se han adaptado mejor a su época y lugar que "Tiburón", que hace medio siglo se estrenó en todo el país en un estreno masivo, entonces novedoso, acompañado de la campaña publicitaria de Universal Pictures durante el fin de semana de estreno. "Tiburón" no fue la primera película en intentar conquistar a los espectadores de un solo bocado (unos años antes, "El Padrino" prácticamente lo intentó), pero "Tiburón" estableció, y aún define, en muchos sentidos, la película del verano.
Esto sitúa a "Tiburón" en el nacimiento de una tendencia que desde entonces ha consumido Hollywood: la era de los éxitos de taquilla. Cuando se estrenó en 409 cines el 20 de junio de 1975 y recaudó la entonces cifra récord de 7,9 millones de dólares en sus primeros días, "Tiburón" sentó las bases para todas las películas de acción, superhéroes o dinosaurios que han intentado triunfar en verano: una época de poca actividad en los cines antes de que llegara "Tiburón".
Y, sin embargo, el legado de "Tiburón" es mucho más que ser el éxito de taquilla original de Hollywood. Es imposible, 50 años después, ver la película de Spielberg y ver solo el comienzo de un éxito de taquilla, o el pez más pálido que inspiró. Es una película demasiado buena —y demasiado diferente a tantas aspirantes desde entonces— como para ser simplemente innovadora. Es una obra maestra por derecho propio.
“Recargó el lenguaje del cine”, dice el cineasta Robert Zemeckis en el próximo documental “Jaws @ 50: The Definitive Inside Story”, que se estrenará el 10 de julio en National Geographic.
Ese documental, con la participación de Spielberg, es solo una pequeña parte de las festividades que han acompañado el aniversario de la película. Martha's Vineyard, donde se rodó "Tiburón", acogerá desde conciertos hasta disfraces de perros inspirados en la película. "Tiburón" se podrá ver en Peacock hasta el 14 de julio, además de una emisión en horario estelar el viernes por NBC, con una introducción de Spielberg. El aniversario de "Tiburón" se siente casi como una fiesta nacional, y con razón.
Pero si bien "Tiburón" es una de las películas más influyentes de la historia, Hollywood no siempre ha aprendido las lecciones correctas. La idea de "Vas a necesitar un barco más grande" quizás se ha tomado demasiado literalmente en películas que se han basado demasiado en la escala y el espectáculo, cuando ninguno de estos factores tenía mucho que ver con la brillantez del clásico de Spielberg.
Para el 50° aniversario de la película, analizamos algunas de las cosas que el Hollywood actual podría aprender de “Tiburón” 50 años después.
Jake Coyle ha estado escribiendo sobre películas para AP desde 2013. Ha visto “Tiburón” al menos una docena de veces y se la proyectó a sus hijos cuando eran demasiado pequeños para verla.
Color local
Cada vez que vuelvo a ver “Tiburón” (algo que recomiendo mucho hacer en una pantalla proyectada, incluso sobre una sábana, y preferiblemente con el océano cerca), me maravillo de lo mucho que se beneficia de su ambientación en Martha’s Vineyard.
El lugar donde se filman las producciones cinematográficas estadounidenses ha sido un tema candente últimamente . Diversos incentivos suelen determinar las locaciones de rodaje, y la decoración de escenarios o la CGI se encargan del resto. Pero "Tiburón" demuestra cuánto más que créditos fiscales se puede obtener de una locación.
Spielberg estaba convencido de que la adaptación de la novela de Peter Benchley, inspirada en sus veranos de infancia en Nantucket, no debía realizarse en estudios de sonido. Tras explorar la costa atlántica, se decidió por la isla vecina de Nantucket. Al igual que su primera película, "Duelo", ambientada en el desierto de Mojave, Spielberg quería que su tiburón mecanizado nadara en un lugar real y definido.
“Sentí lo mismo con 'Tiburón'”, dice Spielberg en el documental. “Quería ambientarme en la naturaleza para que hubiera cierta verosimilitud. Así que tenía que estar en el océano, en alta mar”.
No fue fácil. El presupuesto de "Tiburón" casi se triplicó hasta los 9 millones de dólares y el rodaje se extendió de 55 a 159 días. Spielberg nunca volvería a estar bajo presión financiera por una película, pero la tortuosa producción de "Tiburón" lo puso bajo la lupa. Un informe de AP de 1975 comenzaba: "Es noticia cuando un director de cine de 26 años se excede en 2 millones de dólares del presupuesto y dos meses y medio del plazo, y logra evitar ser despedido".
Más que en ningún otro momento de su carrera, Spielberg se preocupó.
“'Tiburón' fue mi Vietnam”, le dijo a Richard Schickel. “Básicamente, eran gente ingenua contra la naturaleza, y la naturaleza nos vencía a diario”.
También infundió en cada centímetro del marco el sabor de una pequeña ciudad de Nueva Inglaterra de una manera que ningún estudio de sonido o CGI podría jamás.
Menos es más
Cuando Spielberg estaba listo para empezar a rodar, su estrella no lo estaba. El tiburón mecanizado, apodado "Bruce" en honor al abogado del director, sufría frecuentes fallos que obligaron a Spielberg a buscar diferentes enfoques para rodar sus escenas con tiburones al principio de la película.
En cambio, "Tiburón" se convirtió, para Spielberg, en una especie de homenaje a "Psicosis" de Alfred Hitchcock. El suspense provenía menos del tiburón que del miedo a lo desconocido y de esa pregunta escalofriante: ¿Qué hay en el agua? Spielberg, con la importante ayuda de la icónica banda sonora de John Williams, retrasó la aparición del tiburón blanco hasta bien entrada la película.
“La elipsis visual”, escribió la crítica Molly Haskell, “creó una amenaza y un terror mucho mayores, ya que el tiburón no está en ninguna parte y sí en todas”.
Spielberg estimó una vez que los retrasos mecánicos de Bruce sumaron 175 millones de dólares a la taquilla de la película. En su estreno, "Tiburón" recaudó 260,7 millones de dólares en Estados Unidos en 1975. Ajustado a la inflación, eso equivale a unos 1500 millones de dólares. Hoy en día, el tiburón casi con toda seguridad se habría terminado, como la mayoría de las criaturas cinematográficas, con animación por computadora. Pero "Tiburón" demostró que, a menudo, la fuente más poderosa del miedo es nuestra imaginación.
A escala humana
Esta es la época del año en la que el destino del mundo a menudo pende de un hilo. Todo tipo de películas de verano no han tenido reparos en destruir ciudades por un simple detalle argumental. Sin embargo, a pesar de todo su terror, "Tiburón" solo presenta unas pocas muertes. Todo su drama es a escala humana. Comparada con éxitos de taquilla más imponentes de la actualidad, "Tiburón" se consideraría una película modesta de presupuesto medio.
En parte por eso es casi inevitable recordar que la película solo tiene tres personajes principales: Martin Brody (Roy Scheider), Matt Hooper (Richard Dreyfuss) y Quint (Robert Shaw). La directora de casting, Sherry Rhodes, llenó el reparto con lugareños de la isla, muchos de los cuales aportan a la película pequeños momentos de humanidad cotidiana. En ese sentido, "Tiburón" se siente más como una comunidad que como un elenco.
Escapismo con algo que decir
Por un lado, "Tiburón" tenía poco que ver directamente con su época. La guerra de Vietnam acababa de terminar. El escándalo Watergate acababa de provocar la dimisión del presidente Nixon. La conmovedora historia de un tiburón en la costa de Massachusetts prometía una vía de escape.
Sin embargo, “Tiburón” ha perdurado como una parábola del capitalismo, utilizada una y otra vez para ilustrar esos enfrentamientos interminables entre el dinero y la seguridad social.
“Amity es un pueblo de verano”, dice el alcalde de Amity, Larry Vaughn (Murray Hamilton), en la película. “Necesitamos dólares de verano”.
El tiburón se lleva la canción principal y el póster de la película, pero el verdadero villano de "Tiburón" viste un traje a rayas y sonríe a las cámaras. "Como pueden ver, es un día precioso y las playas están abiertas", dice. Más que el depredador del océano, él y el pueblo se dan un festín de carne humana.
'Tiburón' es intocable
Hay muchísimas películas, incluyendo las tres secuelas posteriores, que han intentado en vano capturar algo de la magia de "Tiburón". Pero lo que ocurrió en junio de 1975, y mucho menos en Martha's Vineyard el año anterior, no se puede repetir. Incluso las mejores películas son producto de mil pequeños milagros. ¿Ese título? Benchley lo ideó minutos antes de ir a imprenta. El icónico póster surgió de la pintura de Roger Kastel para el libro. Scheider, por ejemplo, se enteró de la película al escuchar a Spielberg en una fiesta. Williams se basó en tan solo dos notas para una de las bandas sonoras más famosas de la historia del cine.
Pero ningún ingrediente importaba más en "Tiburón" que el hombre tras la cámara. Talentos cinematográficos como Spielberg aparecen quizás un par de veces cada siglo, y en "Tiburón", emergió de forma espectacular. Lo que quizás más impactante de "Tiburón" 50 años después es lo mucho que aún no se parece a nada más.
Jake Coyle ha estado escribiendo sobre películas para AP desde 2013. Ha visto “Tiburón” al menos una docena de veces y se la proyectó a sus hijos cuando eran demasiado pequeños para verla.
Jake Coyle ha sido crítico de cine y ha cubierto la industria cinematográfica para The Associated Press desde 2013. Tiene su sede en la ciudad de Nueva York.
Treinta y cinco años después de que Tom Cruise recibiera su primera nominación al Oscar, por fin recibe un trofeo. Y no es por sus acrobacias mortales . Al menos, no exclusivamente.
Cruise, la coreógrafa Debbie Allen y el diseñador de producción de "Do The Right Thing", Wynn Thomas, han sido seleccionados para recibir estatuillas honorarias del Óscar en los Premios de los Gobernadores, anunció la academia de cine el martes. Dolly Parton también será reconocida con el Premio Humanitario Jean Hersholt por su labor benéfica de décadas en el ámbito de la alfabetización y la educación.
“Los Premios de los Gobernadores de este año celebrarán a cuatro individuos legendarios cuyas extraordinarias carreras y compromiso con nuestra comunidad cinematográfica continúan dejando un impacto duradero”, dijo la presidenta de la Academia, Janet Yang, en un comunicado.
Históricamente, la mayoría de los galardonados con este premio aún no han ganado un Oscar en competición. Cruise, de 62 años, ha sido nominado cuatro veces: dos a mejor actor por "Nacido el 4 de julio" y "Jerry Maguire", una a mejor actor de reparto por "Magnolia" y otra a mejor película por "Top Gun: Maverick". También ha impulsado la asistencia al cine y las grandes producciones hollywoodenses durante la pandemia del coronavirus.
Yang destacó el “increíble compromiso de Cruise con nuestra comunidad cinematográfica, con la experiencia teatral y con la comunidad de especialistas”.
Allen, de 75 años, nunca ha sido nominada a un Oscar. Pero esta artista multifacética —que también actúa y produce— ha desempeñado un papel fundamental en la gala de los Oscar, habiendo coreografiado siete ceremonias a lo largo de los años. Cuatro de ellas fueron nominadas a los premios Emmy en horario de máxima audiencia.
Una nominación también se le escapó a Thomas, un destacado diseñador de producción cuyas películas han recibido con frecuencia nominaciones a mejor película e incluso una victoria, por "Una mente maravillosa" de Ron Howard. Thomas es más conocido por su larga colaboración con el cineasta Spike Lee, desde "Ella tiene que tenerlo" y "Malcolm X" hasta "Los cinco sangres".
Parton ha sido nominada dos veces a mejor canción original: por "9 to 5" y, en 2006, por "Travelin' Thru", de la película "Transamerica". Su reconocimiento reconoce su labor humanitaria a lo largo de los años, a través de organizaciones como la Fundación Dollywood y el programa literario "Dolly Parton's Imagination Library".
Yang dijo que Parton “ejemplifica el espíritu” del Premio Humanitario Jean Hersholt.
Los premios se entregarán en una ceremonia no televisada el 16 de noviembre en el Ray Dolby Ballroom de Los Ángeles. Entre los galardonados del año pasado se encuentran el fallecido Quincy Jones , los productores de Bond Barbara Broccoli y Michael G. Wilson , el cineasta Richard Curtis y la directora de casting Juliet Taylor .
Los destinatarios de los premios, que reconocen los logros de toda una vida, las contribuciones al estado de las artes y ciencias cinematográficas y el servicio a la academia, son seleccionados por la junta de cene.
Esta historia ha sido corregida según los informes, han pasado 35 años desde la primera nominación al Oscar de Tom Cruise, no 25.
Lindsey Bahr ha sido escritor y crítico de cine para The Associated Press desde 2014.
Elio es un niño solitario de 11 años que sólo busca grandes respuestas sobre la vida.
Recientemente perdió a sus padres, las únicas personas que lo comprendían y lo querían, y lo único que parece darle consuelo y esperanza es la idea de que no estamos solos en el universo. Así que, en la última película de Pixar (en cines el viernes), emprende una campaña para que los extraterrestres lo abduzcan. Básicamente, esto implica tumbarse en la playa y esperar, mientras sus notas en la arena se vuelven cada vez más desesperadas. Hasta que un día funciona.
Es una premisa sólida que, vista desde cierta perspectiva, tiene todo lo necesario para ser una película clásica de Pixar. Es existencialista, pero tierna. Podría hacerte llorar y también querer comprar un peluche de Glordon. Glordon (Remy Edgerly) es el joven extraterrestre dentado, con aspecto de babosa y sin ojos, que se hace amigo de Elio (Yonas Kibreab).
Desde una perspectiva más cínica, sin embargo, tampoco se aleja mucho de la fórmula. Es otro niño que se da cuenta de que lo que lo hace diferente podría ser simplemente su poder secreto, desarrollado a una escala fantástica y exagerada. Es seguro y familiar, pero también quizás un poco cansado. "Elio" podría incluso ser la película que te hará desear que Pixar moderara las sesiones de autoayuda. Padres muertos y un niño con una sola lágrima corriendo por su rostro es una forma brutal de comenzar una película de aventuras intergalácticas para toda la familia. Nos hemos preocupado por protagonistas con un trauma mucho menos inmediato.
Elio y su tía Olga ( Zoe Saldaña ) apenas se sostienen cuando los conocemos viviendo en una base militar. Ella tuvo que abandonar sus sueños de ser astronauta para ser la principal cuidadora de Elio, y él es un sujeto delicado: consumido por un dolor que no puede verbalizar y que canaliza todas sus energías en la búsqueda de comunicarse con extraterrestres. Olga lo intenta, pero se siente abrumada, y Elio se siente como una carga. Además, parece no poder evitar meterse en problemas, ya sean los que él mismo crea o en defensa propia contra un abusador local. No es de extrañar que quiera huir a un mundo de conocimiento infinito, dispositivos antigravedad activados por voz y colores espectaculares.
Pero la vida en el cosmos tampoco es un paseo por el parque. Elio se ve inmediatamente envuelto en una red de mentiras, en la que convence a los (según nos dicen) sabios extraterrestres del Communiverso de que él es el líder de la Tierra. ¿Fingir hasta que lo consigas, al estilo Pixar? Lo envían a negociar con Lord Grigon (Brad Garrett), un líder belicista que quiere liderar el Communiverso, y aprende técnicas como "empezar desde una posición de poder" y usar una "moneda de cambio". Como la mayoría de las películas de Pixar, se construye hacia un mensaje de empatía. Pero durante un buen rato también se nos enseña algo parecido al arte del trato.
"Elio" es el trabajo de muchas personas: hay tres directores acreditados, Adrian Molina ( "Coco" ), quien dejó el proyecto pero conserva el crédito, Madeline Sharafian y Domee Shi ("Turning Red"), y tres guionistas acreditados involucrados. Y la historia se extiende en muchas direcciones diferentes, lo que hace que la experiencia en general sea un poco inconexa y forzada. Es más divertido cuando permite que sus personajes infantiles sean niños: Elio y su nuevo amigo Glordon se divierten jugando en el Communiverso. Pero la película tarda mucho en llegar allí. Las imágenes deslumbrantes solo te llevarán hasta cierto punto. Y esas no están exentas de placeres y homenajes irreverentes a los tropos cinematográficos de varios géneros. Una de las secuencias más cuestionablemente intensas involucra un poco de horror de cuerpo clonado, pero tal vez sea un adulto proyectando un elemento de horror en algo que un niño podría encontrar divertido.
Hay un buen mensaje general sobre la aceptación paternal y el amor incondicional; siempre lo hay. Pero al ser tan segura y familiar, a "Elio" le falta un poco de esa magia y picardía de Pixar.
“Elio”, estreno de Walt Disney Company en cines el viernes, tiene clasificación PG (Apta para todos los públicos) por la Asociación Cinematográfica de Estados Unidos (MPAA) por sus “elementos temáticos, algo de acción y peligro”. Duración: 99 minutos. Dos estrellas y media de cuatro.
Lindsey Bahr ha sido escritor y crítico de cine para The Associated Press desde 2014.
CIUDAD DE MÉXICO (AP) — Casi cuatro décadas después del estreno de su primera versión, la serie de comedia mexicana “Papá soltero” está de vuelta en una versión protagonizada por Mauricio Ochmann.
La original se estrenó en México en 1987 y tuvo tal éxito que continuó al aire hasta 1994. Presentaba la vida doméstica de un padre soltero tras enviudar que trataba de criar a sus tres hijos. Su elenco original incluía a César Costa en el papel del patriarca César, así como a Edith Márquez, Luis Mario Quiroz y Gerardo Quiroz como sus hijos Alejandra, Cesarín y Miguel.
La nueva versión, con un equipo de guionistas encabezados por los comediantes mexicanos Mauricio “El Diablito” Barrientos y Charlie “El Huevo” Barrientos, está disponible en el servicio de streaming ViX Premium. En ella, César tiene una familia compuesta con dos hijas de matrimonios anteriores (una de él y otra de su esposa), así como un par de mellizos.
Ochmann dijo que no creció viendo el “Papá soltero” original, pero que los productores, que incluyen a Gonzalo Sagardia, Santiago de la Rica, Francisco Franco Alba, El Huevo y El Diablito (quien también tiene un papel como el vecino Alejandro en la serie), no se lo requirieron para su personaje, pues esta nueva interpretación es completamente diferente.
“Son otras situaciones; es una comedia un poco más irreverente, actualizada, aunque tampoco se olvida de su origen”, señaló Ochmann, cuyo personaje se llama César igual que el de Costa.
La trabajadora doméstica Gumara, interpretada originalmente por Aurora Alonso, conserva su nombre y es ahora encarnada por Norma Angélica, y el trabajador manual Pocholo, es el original, interpretado en la primera versión y en la actual por José Luis Cordero.
“Es como el sello de certificación, el link (vínculo) de una versión con la otra”, señaló Ochmann, sobre la participación de Cordero.
Aunque la esposa de César, Sandra, interpretada por Ana de la Reguera, también ha fallecido, aparece en varias escenas cuando lo asaltan sus recuerdos. César tiene dos hijas adolescentes, Ana (Romina Poza), producto del matrimonio anterior de Sandra, y María (Ana Tena), del primer matrimonio de César. También es padre de los pequeños mellizos Miguel (Erick Velarde) y Cesarín (David Aguilar), que tuvo con Sandra.
César es productor de televisión y al verse solo en una casa con dos adolescentes y dos niños toma un enfoque como si se tratara de un programa demandante que requiere catering y asistentes (incluidos algunos becarios que recluta de su trabajo).
“Hay muchas situaciones de mucha comedia, del caos, de la vida que nos sucede a todos”, dijo Ochmann.
Pero no todo está bajo control. Lo conocemos en una sesión de un grupo de autoayuda al que recurre para tratar de superar el duelo.
“Me encanta porque siento que está presentando y normalizando que los papás somos sensibles, lloramos, que necesitamos ayuda”, dijo el actor. “Está buscando cómo crecer y cómo ser un mejor papá”.
Lo más interesante para Ochmann es que César se reconecta con su familia y descubre que cada uno de sus hijos es diferente, con una personalidad bien definida.
“Uno cree que tiene cuatro pinos y no, a veces tienes un pino y luego tienes un arbusto y tienes un manzano y tienes un limonero y a cada uno hay que regarlo y tratarlo de diferente manera. Y eso es la vida y eso es a lo que César se empieza a enfrentar”, señaló.
Radio América es una emisora de habla hispana que transmite desde la ciudad de Laurel en el estado de Maryland cubriendo con sus 1,900 vatios de potencia toda el área metropolitana de Washington D.C. en la cual residen cerca de 1 millón de Latinos.
Su propietario es Alejandro Carrasco considerado como la personalidad radial hispana mas influyente en Washington, Maryland y Virginia.
Su frecuencia, 900 AM una Ubicación ideal en el dial para alcanzar a toda la comunidad latina en el area metropolitana de Washington.
LONDRES (AP) — Los seguidores del grupo de hip-hop en idioma irlandés Kneecap se congregaron el miércoles en las aceras afuera de un tribunal de Londres mientras un miembro del trío enfrentaba un cargo relacionado con terrorismo en lo que él dice es un esfuerzo con motivaciones políticas para silenciar el apoyo de la banda a los palestinos antes de su aparición en el Festival de Glastonbury .
